Hogyan működtek a Heian Era japán klánok? (pl. Taira kontra Minamoto)

Hogyan működtek a Heian Era japán klánok? (pl. Taira kontra Minamoto)


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

A Wikipédia azt mondja, hogy a császárok bizonyos gyermekeit lefokozták (eltávolították a királyi törzsből), és Taira, valamint Minamoto "klánok" közé sorolták őket a Heian időszakban.

Hogyan működött ez?

  1. Volt -e különleges indoka annak, hogy az embereket egymáshoz rendeljék?
  2. A klánoknak kellett volna a tagok legfőbb társadalmi identitását jelenteniük?
  3. Különleges szolgáltatásokat nyújtottak/igényeltek?
  4. Hogyan befolyásolta a helyzetet a generációs komponens (pl. Saga kontra Seiwa Genji)? Például Saga és Seiwa Genji mindketten Minamoto -nak minősültek, és ezért nagyobb valószínűséggel működtek együtt egymással, mint más klánokkal?

Gempei háború

Gion shôja no kane no koe, shogyô mujô no hibiki ari. Shara sôju no hana no iro, shôsha hissui no koto wari wo arawasu. Ogoreru hito mo hisashikarazu, tada haru no yoru no yume no gotoshi. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
A Gion Shôja templomi harangok hangja minden dolog mulandóságát visszhangozza, a sala virágok színe felfedi az igazságot, hogy virágozni kell esni. A büszkék nem tűrik el végre a hatalmas zuhanást, hogy csak por legyenek a szél előtt.

  • Időpontok: 1180-1185
  • Harcosok: Minamoto klán (és szövetségesei) vs. Taira klán (és szövetségesei)
  • Eredmény: Minamoto győzelem A Taira klán nagyrészt elpusztult
  • japán: 源 平 合 戦 (Genpei kassen)

A Genpei-háború, amely 1180-1185-ben a Minamoto és a Taira szamuráj klánok között vívódott, a Taira uralta birodalmi bíróság uralmának végét jelzi, majd röviddel ezután a kamakurai sógunátus létrehozása követte. a Taira és a Minamoto felemelkedése, a Heian -korszak vége és a Kamakura -korszak kezdete, valamint a határ az arisztokrata/udvari uralom klasszikus korszaka és a középkori szamuráj uralom között.

A háború nevét a on-yomi vagy "kínai stílusú" olvasmányok a két klán nevéről - Genji és Heike (vagy Heishi), azaz "Minamoto klán" és "Taira ház" (vagy "Taira klán").

A háború eseményeit az eposz ismertette meg leghíresebben A Heike meséje, amelyet szóbeli hagyományként hagytak tovább az utazó zenész mesemondók, mielőtt először leírták 1371 -ben. Számos Noh, Kabuki és bábjáték, valamint számtalan festmény és egyéb kulturális alkotás merít ezekből a történetekből, amelyek legendává nőttek.


Tartalom

Jōmon art Edit

Japán első telepesei a jomon népek voltak (kb. 10.500-kb. 300 ie.) több száz, ha nem ezres népességgel. Egyszerű fa- és nádházakat építettek sekély földgödrökbe, hogy meleget biztosítsanak a talajból. Gazdagon díszített cserépedényeket, agyagfigurákat készítettek dogūés kristály ékszereket.

Korai Jōmon -korszak Szerk

A korai Jón időszakban (i. E. 5000-2500) [3] falvakat kezdtek felfedezni, és hétköznapi mindennapi tárgyakat találtak, például forró vízre szánt kerámia edényeket. Az ez idő alatt talált edények lapos aljúak voltak, és bonyolult kialakításúak voltak, például bambuszból. Ezenkívül egy másik fontos lelet a korai Jōmon -figurák voltak, amelyeket termékenyítő objektumként használhattak a mell és a csípő duzzanata miatt. [3]

Középső Jómon időszak Szerk

A középső Jómon-korszak (i. E. 2500–1500) [3] sok tekintetben ellentétes a korai Jómon-korszakkal. Ezek az emberek kevésbé nomádok lettek, és falvakban kezdtek letelepedni. Hasznos eszközöket hoztak létre, amelyek képesek voltak az összegyűjtött és vadászott ételek feldolgozására, ami megkönnyítette számukra az életet. Az ebben az időszakban talált számos esztétikailag kellemes kerámia révén nyilvánvaló, hogy ezeknek az embereknek stabil gazdaságuk és több szabadidejük volt a gyönyörű darabok létrehozásához. Ezenkívül a középső Jómon kor emberei különböztek előző őseiktől, mert funkciójuknak megfelelően edényeket fejlesztettek ki, például edényeket állítottak elő tárgyak tárolására. [3] Ezen edények díszítései kezdtek valósághűbbé válni, szemben a korai Jōmon kerámiákkal. Összességében a művek gyártása nemcsak növekedett ebben az időszakban, hanem ezek az egyének dekoratívabbá és természetesebbé tették őket. [3]

Késő és utolsó Jōmon időszak Szerkesztés

A késői és az utolsó Jōmon időszakban (i. E. 1500–300) [3] az időjárás egyre hidegebbé vált, ezért kénytelenek voltak eltávolodni a hegyektől. A fő táplálékforrás ebben az időben a halak voltak, amelyek javították halászati ​​kellékeiket és eszközeiket. Ez az előrelépés nagyon fontos eredmény volt ebben az időben. Ezenkívül a hajók száma nagymértékben megnőtt, ami arra a következtetésre juthat, hogy minden házban saját figura volt látható. Bár a Jōmon késői és utolsó időszakában különböző edényeket találtak, ezeket a darabokat sérültnek találták, ami azt jelezheti, hogy rituálékhoz használták őket. Ezenkívül figurákat is találtak, és húsos testük és szemüvegük jellemezte őket. [3]

Dogū ("földi alak") a Jōmon -korszak későbbi szakaszában készült kis humanoid- és állatfigurák. [4] Okinawa kivételével egész Japánban készültek. [4] Egyes tudósok elmélete szerint dogū emberek képmásaként viselkedett, ami valamiféle rokonszenves varázslatot mutatott meg. [5] Dogū agyagból készülnek és kicsik, jellemzően 10-30 cm magasak. [6] A figurák többsége nőnek készült, nagy szemekkel, kis derékkal és széles csípővel. [4] Sokak szerint istennőket képviselnek. Sokuknak nagy hasa van a terhességgel kapcsolatban, ami arra utal, hogy a Jomon anyai istennőknek tartotta őket. [6]

Yayoi art Edit

A következő bevándorlási hullám a Yayoi nép volt, amelyet a tokiói kerületről neveztek el, ahol először találták meg településeik maradványait. Ezek az emberek, akik i. E. 300 körül érkeztek Japánba, [7] elhozták tudásukat a vizes rizs termesztéséről, a rézfegyverek és bronzharangok gyártásáról (dōtaku), és kerékdobott, kemencével égetett kerámiák.

Yayoi -kori dōtaku harang, i. Sz. 3. század

Bronz tükör, feltárt Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

Karmaikus üveg a Yayoi időszakból

Yayoi tárolóedény i. E. 500 - 200 között

Kofun art Edit

A japán őstörténet harmadik szakasza, a Kofun -korszak (Kr. U. 300–710), [3] a yayoi kultúra módosítását jelenti, akár belső fejlődésnek, akár külső erőnek tulajdonítható. Ez az időszak leginkább a sírkultúrájáról és más műtárgyakról, például bronz tükrökről és agyagszobrokról szól haniwa amelyeket ezeken a sírokon kívül állítottak fel. A Kofun -korszak során ezeknek a síroknak a jellemzői a dombtetőkön és gerinceken felállított kisebb sírokból a sokkal nagyobb sírokba épített sírokba fejlődtek. [8] Japán legnagyobb sírja, Nintoku császár sírja 46 temetőben helyezkedik el, és kulcslyuk alakú, [9] amely a későbbi Kofun -sírokban található. [8]

Asuka és Nara art Edit

Az Asuka és Nara korszakokban, így nevezték el, mert a japán kormány székhelye az Asuka -völgyben volt 542 és 645 között [3], valamint Nara városában 784 -ig, Japánban lezajlott az első jelentős kontinentális ázsiai kultúra.

A buddhizmus továbbadása adta a kezdeti lökést a Kína és Japán közötti kapcsolatokhoz. A japánok felismerték a kínai kultúra azon aspektusait, amelyeket nyereségesen beépíthettek sajátjaikba: egy rendszer, amely ötleteket és hangokat alakít át történettudományi írásra, összetett kormányzati elméletekre, például hatékony bürokráciára, és ami a legfontosabb a művészetek számára, új technológiákra, új épületekre technikák, fejlettebb bronzöntési módszerek, valamint új technikák és hordozók a festéshez.

A 7. és 8. század folyamán azonban a Japán és az ázsiai kontinens közötti kapcsolatokban a buddhizmus fejlesztése volt a fő hangsúly. Nem minden tudós ért egyet a jelentős dátumokról és a megfelelő nevekről, amelyeket 552, a buddhizmus Japánba való bevezetésének hivatalos dátuma és 784 között, amikor a japán fővárost Nárából átvették, különböző időszakokra kell alkalmazni. A leggyakoribb megnevezések a Suiko -korszak, 552–645 a Hakuhō -korszak, 645–710 és a Tenpyō -időszak, 710–784.

Pagoda és Kondō a Hōryū-ji-ban, 8. század

A Buddha legkorábbi japán szobrai a 6. és a 7. századból származnak. [10] Ezek végső soron a Kr. U. 1.-3. századi görög-buddhista Gandhara-művészetből származnak, amelyet az áramló öltözködési minták és a valósághű megjelenítés jellemez [11], amelyekre a kínai művészi vonások kerültek. Miután a kínai észak -wei buddhista művészet beszivárgott egy koreai félszigetre, a buddhista ikonokat különböző bevándorló csoportok hozták Japánba. [12] Különösen a félig ülő Maitreya formát alakították át egy magasan fejlett ókori görög művészeti stílusba, amelyet Japánba továbbítottak, amint azt a Kōryū-ji Miroku Bosatsu és a Chūgū-ji Siddhartha szobrok is bizonyítják. [13] Sok történész Koreát a buddhizmus puszta közvetítőjeként ábrázolja. [14] A Három Királyság, és különösen Baekje, aktív szerepet játszott a buddhista hagyományok japán bevezetésében és kialakításában 538 -ban vagy 552 -ben. [15] Ezek szemléltetik a Selyemút művészet átadásának végpontját az első időszakban. korunk néhány évszázada. Más példákat találhatunk a japán Fūjin Szélisten ikonográfiájának, [16] a Niō-őröknek [17], valamint a templomdíszek közel klasszikus stílusú virágmintáinak fejlesztésében. [18]

A legkorábbi buddhista építmények még Japánban fennmaradtak, a Távol-Kelet legrégebbi faépületei pedig a Nara délnyugati részén található Hōryū-ji-n találhatók. Először a 7. század elején épült Shōtoku koronaherceg magántemplomaként, és 41 független épületből áll. A legfontosabbak, a fő istentiszteleti terem, ill Kondó (Aranyterem), és Gojū-no-tō (Ötemeletes pagoda), egy fedett kolostorral körülvett nyílt terület közepén áll. Az Kondó, a kínai istentiszteleti stílusban egy kétszintes poszt- és gerendaépítésű szerkezet, amelyet egy irimoya, vagy kerámia cserepekkel borított nyeregtetős tető.

Benne Kondó, egy nagy téglalap alakú emelvényen, a korszak néhány legfontosabb szobra. A központi kép egy Shaka -szentháromság (623), a történelmi Buddha, amelyet két bodhiszattva szegélyez, Tori Busshi szobrász (7. század elején virágzott) bronzba öntött szobra a nemrégiben elhunyt Shōtoku herceg előtt. A platform négy sarkában a Négy Irány őrző királyai találhatók, fából faragva 650 körül. A Hōryū-ji-ban található a Tamamushi-szentély is, egy fából készült mása. Kondó, amely egy magas fa alapon helyezkedik el, amelyet figurális festmények díszítenek, ásványi pigmenteket tartalmazó lakkal kevert közegben.

A 8. században a templomépítés a Nara-i Tōdai-ji környékére összpontosult. Az egyes tartományok templomhálózatának székhelyeként épült Tōdaiji a legnagyobb ambiciózus vallási komplexum, amelyet a japán buddhista istentisztelet első évszázadaiban emeltek. Megfelelő módon a 16,2 m (53 láb) Buddha (elkészült 752) a fő Buddha-teremben, vagy Daibutsuden, egy Rushana Buddha, az a figura, amely a buddhaság lényegét képviseli, ahogy a Tōdaiji is a birodalmilag támogatott buddhizmus központja és Japán -szerte történő elterjesztése volt. Az eredeti szobornak csak néhány töredéke maradt fenn, és a jelenlegi csarnok és Buddha központi része az Edo -kori rekonstrukciók.

A Daibutsuden körül, enyhén lejtős domboldalon számos másodlagos csarnok található: a Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), amelynek fő képe, a Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 立 像, a legnépszerűbb bodhisattva), száraz lakkból készült (lakkba mártott és fából készült armatúrán formázott) Kaidanin (戒壇 院, ordinációs terem) a négy őrző király csodálatos agyagszobraival és a raktárral, az ún. Shōsōin. Ez az utolsó szerkezet nagy jelentőséggel bír művészettörténeti gyorsítótárként, mert benne tárolják azokat az eszközöket, amelyeket a templom 752-es felszentelési ceremóniáján, a ruszna kép szemnyitó rituáléjában használtak, valamint kormányzati dokumentumokat és sok világi dokumentumot. a császári család tulajdonában lévő tárgyak.

Choukin (vagy chōkin), a fémmetszet vagy a szobrászat művészete, úgy gondolják, hogy a Nara -korszakban kezdődött. [19] [20]

Heian art Edit

794-ben Japán fővárosát hivatalosan Heian-kyō-ba (a mai Kyoto) helyezték át, ahol 1868-ig maradt. Heian időszak 794 és 1185 közötti évekre utal, amikor a genpei háború végén megalakult a kamakurai sógunátus. Az időszak tovább osztható a korai Heianra és a késői Heianra, vagy a Fujiwara -korszakra, a döntő dátum 894, amikor a kínai császári nagykövetségek hivatalosan megszűntek.

A korai Heian művészet: Reagálva a szervezett buddhizmus növekvő gazdagságára és erejére Nárában, Kūkai pap (legismertebb posztumusz címe: Kōbō Daishi, 774–835) Kínába utazott, hogy tanulmányozza a Shingont, a vadzsrajána buddhizmus egyik formáját, amelyet Japánban 806. A Shingon -istentisztelet középpontjában a mandalák, a spirituális világegyetem diagramjai állnak, amelyek aztán kezdték befolyásolni a templomtervezést. A japán buddhista építészet kínai stílusú pagodájában is átvette a sztúpát, eredetileg indiai építészeti formát.

Az új szekta számára emelt templomokat a hegyekben építették, távol az udvartól és a főváros laikusaitól. A helyszínek szabálytalan topográfiája arra kényszerítette a japán építészeket, hogy újragondolják a templomépítés problémáit, és ezáltal a tervezés őshonosabb elemeit válasszák. A ciprusfakéreg-tetők a kerámia cserép helyére kerültek, a fa padló helyett földdeszkát használtak, a laikusok számára pedig külön istentiszteleti helyet adtak a fő szentély elé.

A templom, amely a legjobban tükrözi a korai Heian Shingon templomok szellemét, a Murō-ji (9. század eleje), mélyen a ciprusfák állományában, egy Nara-tól délkeletre fekvő hegyen. A Shakyamuni, a "történelmi" Buddha fából készült képe (szintén a 9. század elején), amelyet a Murō-ji másodlagos épületében őriznek, jellemző a korai Heian-szoborra, melynek tömény teste, vastag drapéria-redők borítják honpa-shiki (gördülő-hullám) stílus, és szigorú, visszahúzódó arckifejezése.

Fujiwara művészet: A Fujiwara időszakban népszerűvé vált a tiszta földi buddhizmus, amely könnyű üdvösséget kínált Amidába (a nyugati paradicsom Buddhájába) vetett hit által. Ezt az időszakot a Fujiwara családról nevezték el, aki akkor az ország legerősebbje volt, és aki uralkodóként uralkodott a császár mellett, és tulajdonképpen polgári diktátorokká vált. Ezzel párhuzamosan a kiotói nemesség olyan társadalmat alakított ki, amely elkötelezett az elegáns esztétikai törekvések iránt. Olyan biztonságos és szép volt a világuk, hogy nem tudták elképzelni, hogy a Paradicsom sokkal különb. Létrehozták a Buddha terem új formáját, az Amida csarnokot, amely ötvözi a világi és a vallásos embereket, és egy vagy több Buddha -képet tartalmaz a nemesség kúriáira emlékeztető szerkezeten belül.

Az Hō-ō-dō (Phoenix Hall, befejezett 1053) a Byōdō-in, Uji templom Kiotótól délkeletre, a Fujiwara Amida csarnokok példája. Egy fő négyszögletes szerkezetből áll, amelyet két L alakú szárnyfolyosó és egy farokfolyosó szegélyez, egy nagy mesterséges tó szélén. Belül Amida egyetlen arany képe (1053 körül) van felszerelve egy magas platformra. Az Amida -szobrot Jōchō készítette, aki új aránykánont és új technikát alkalmazott (yosegi), amelyben több fadarab kagylószerűen van kivájva és belülről összeillesztve. A csarnok falaira az égiek apró domborművei kerültek, a házigazda úgy vélte, hogy elkísérte Amidát, amikor leszállt a nyugati paradicsomból, hogy a halál pillanatában összegyűjtse a hívők lelkét, és lótuszvirágban szállítsa őket a Paradicsomba. Raigō A Hō-ō-dō faajtóin található, Amida Buddha leszármazását ábrázoló festmények a Yamato-e, japán stílusú festészet korai példája, és a Kiotó környéki tájképeket ábrázolják.

E-maki: A Heian -korszak utolsó évszázadában a vízszintes, illusztrált elbeszélő kézfogás, az úgynevezett e-maki (絵 巻, világít: "képtekercs"), előtérbe került. Körülbelül 1130 -ból származik Genji Monogatari Emaki, híres illusztrált Genji meséje a legkorábban fennmaradt yamato-e kézitekercset és a japán festészet egyik csúcspontját képviseli. Az 1000. évről írta Murasaki Shikibu, Shōshi császárné hölgyje. A regény Genji életével és szerelmeivel, valamint a Heian udvar világával foglalkozik halála után. A 12. századi művészek a e-maki verziója olyan képi egyezmények rendszerét dolgozta ki, amelyek vizuálisan közvetítik az egyes jelenetek érzelmi tartalmát. A század második felében népszerűvé vált a folyamatos narratív illusztráció más, elevenebb stílusa. Az Ban Dainagon Ekotoba (12. század vége), a tekercs, amely az udvari cselszövéssel foglalkozik, az aktív mozgásban lévő figurákat emeli ki gyorsan végrehajtott ecsetvonásokkal és vékony, de élénk színekkel.

E-maki egyben a legkorábbi és legnagyobb példák is otoko-e ("férfi képek") és onna-e ("női képek") festészeti stílusok. A két stílusban sok finom különbség van, amelyek a nemek esztétikai preferenciáit vonzzák. De talán a legkönnyebben észrevehetőek a tárgyi különbségek. Onna-e, amelyet a Genji meséje kézfogás testesít meg, jellemzően az udvari élettel, különösen az udvarhölgyekkel és romantikus témákkal foglalkozik. Otoko-e gyakran rögzítettek történelmi eseményeket, különösen csatákat. Ennek a stílusnak a híres példája a Szandzsó -palota ostroma (1160), amelyet a Heiji Monogatari kézfogó "Éjszakai támadás a Szandzsó -palota" című részében ábrázolnak.

Kamakura art Edit

1180 -ban háború tört ki a két legerősebb harcos klán között: a Taira és a Minamoto között, öt évvel később a Minamoto győztes lett, és de facto kormányszéket létesített a tengerparti Kamakura faluban, ahol 1333 -ig maradt. A hatalomnak a nemességről a harcos osztályra való áthelyezésével a művészetnek új közönséget kellett kielégítenie: a hadviselési készségek iránt elkötelezett férfiakat, papokat, akik elkötelezettek a buddhizmus elérhetővé tétele mellett az írástudatlan közemberek számára, valamint a konzervatívokat, a nemességet és a papság néhány tagját. sajnálta a bíróság hanyatló hatalmát. Így a realizmus, a népszerűsítő irányzat és a klasszikus újjáéledés jellemzi a kamakurai időszak művészetét. A Kamakura időszakban Kyoto és Nara továbbra is a művészi termelés és a magas kultúra központjai maradtak.

Szobor: A Kei szobrásziskola, különösen Unkei, új, valósághűbb szobrászatot hozott létre. A két Niō-őrző kép (1203) a Narai Tōdai-ji Nagy Déli Kapujában illusztrálja Unkei dinamikus szuprarealisztikus stílusát. A körülbelül 8 m (körülbelül 26 láb) magas képeket több blokkból faragták körülbelül három hónap alatt, ami egy mesterséges szobrászművész irányítása alatt dolgozó kézművesek stúdiórendszerét jelzi. Unkei polikrómált fa szobrai (1208, Kōfuku-ji, Nara) két indiai bölcsből, Muchaku és Seshin, a Hossō szekta legendás alapítói közül, az Unkei által nyújtott korszak legeredményesebb reális alkotásai közé tartoznak, figyelemre méltóan személyre szabottak és hihető képek. Ennek az időszaknak az egyik leghíresebb alkotása az Amitabha triád (1195-ben készült el), az Ono-i Jōdo-ji-ban, amelyet Kaikei, Unkei utódja készített.

Kalligráfia és festészet: Az Kegon Engi Emaki, a Kegon szekta alapításának illusztrált története, kiváló példa a kamakurai festészet népszerűsítő irányzatára. A Kegon -szekta, amely a Nara -időszak egyik legfontosabbja, a Tisztaföld szekták felemelkedése idején nehéz időkre esett. A genpei háború (1180–1185) után Kōzan-ji papja Myōe arra törekedett, hogy újraélessze a szektát, és menedéket is biztosítson a háború által megözvegyült nőknek. A szamuráj feleségei elkedvetlenedtek attól, hogy többet tanuljanak, mint a hangok és ötletek átírásának szótagrendszere (lásd kana), és a legtöbben képtelenek voltak kínai ideográfiákat (kanji) használó szövegek olvasására.

Így a Kegon Engi Emaki ötvözi a szövegrészeket, amelyeket legfeljebb könnyen olvasható szótagokkal írnak, és az illusztrációkat, amelyek párbeszédet tartalmaznak a hangszórók mellé írt karakterek között, ez a technika a korabeli képregényekhez hasonlítható. A cselekmény a e-makiA két koreai pap élete, akik megalapították a Kegon szektát, gyors ütemben és fantasztikus bravúrokkal vannak tele, mint például az utazás az óceánkirály palotájába, és egy megható mamatörténet. [ tisztázásra van szükség ]

Egy konzervatívabb értelemben vett mű Murasaki Shikibu naplójának illusztrált változata. E-maki regényének változatai továbbra is készültek, de a nemesség, amely ráhangolódott a realizmus iránti új érdeklődésre, mégis nosztalgiázott a gazdagság és a hatalom elmúlt napjai iránt, újjáélesztette és illusztrálta a naplót, hogy visszaszerezze a szerző korának pompáját. Az egyik legszebb rész illusztrálja azt az epizódot, amelyben Murasaki Shikibut két fiatal udvaronc tartja játékosan fogva a szobájában, miközben kint a holdfény ragyog a császári kert patakja mohos partján.

Muromachi art Edit

A Muromachi -korszak (1338–1573) alatt, amelyet Ashikaga -korszaknak is neveznek, a japán kultúrában mélyreható változás történt. Az Ashikaga klán átvette az irányítást a sógunátus felett, és székhelyét visszahelyezte Kiotóba, a város Muromachi negyedébe. A kormányzat visszatérésével a fővárosba a kamakurai időszak népszerűsítő irányzatai véget értek, és a kulturális kifejezés arisztokratikusabb, elitistabb jelleget öltött. A zen -buddhizmus, a Ch'an szekta, amelyet hagyományosan Kínában alapítottak a 6. században, másodszor is bevezették Japánba, és gyökeret vert.

Festmény: A zen templomok által szervezett világi vállalkozások és kereskedelmi missziók miatt Kínába sok kínai festményt és műtárgyat importáltak Japánba, és mélyen befolyásolták a zen templomok és a sógunátusok számára dolgozó japán művészeket. Ez az import nemcsak a festészet tárgyát változtatta meg, hanem a Yamato-e élénk színeinek színhasználatát is, amelyek a kínai festészet monokrómjaihoz vezettek, ahol a festmények általában csak fekete-fehér vagy különböző színárnyalatokkal rendelkeznek. egyetlen szín.

A korai Muromachi-festészetre jellemző, hogy Kao papfestő (aktív 15. század eleje) ábrázolja a legendás Kensu (kínaiul Hsien-tzu) szerzetest, amikor elérte a megvilágosodást. Ez a fajta festés gyors ecsetvonásokkal és minimális részletességgel készült. Harcsa fogása tökkel (15. század eleje, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), Josetsu papfestő (aktív 1400 körül), fordulópontot jelent Muromachi festészetében. Eredetileg alacsonyan álló képernyőhöz készült, és függő tekercsként helyezték vissza, a fenti kortárs személyek felirataival, amelyek közül az egyik az új stílusú festményre utal. Az előtérben egy embert ábrázolnak a patak partján, aki egy kis tököt tart, és egy nagy, csúszós harcsát néz. A köd betölti a középutat, és a háttérhegyek messze vannak a távolban. Általában feltételezik, hogy az 1413 körül készült festmény "új stílusa" a képsíkon belüli mélyebb tér érzetére utal.

A Muromachi-kor legjelentősebb művészei Shūbun és Sesshū papfestők. Shūbun, a kiokói Shōkoku-ji templom szerzetese, a festményen készült Olvasás egy bambuszligetben (1446) reális táj, mély recesszióval az űrben. Sesshū, a korabeli művészek többségével ellentétben, Kínába utazhatott, és a kínai festészetet tanulmányozhatta a forrásánál. A négy évszak tája (Sansui Chokan c. 1486) Sesshu egyik legeredményesebb alkotása, amely a négy évszakon keresztül folytatódó tájat ábrázolja.

Azuchi-Momoyama art Edit

Az Azuchi – Momoyama időszakban (1573–1603) sorozatos katonai vezetők, mint Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi és Tokugawa Ieyasu, megpróbáltak békét és politikai stabilitást megteremteni Japánban a majdnem 100 éves hadviselés korszaka után. Oda, kiskorú főispán 1568 -ban elég hatalmat szerzett ahhoz, hogy ténylegesen átvegye az irányítást a kormány felett, és öt évvel később kiszorítsa az utolsó Ashikaga shōgun -t. Hideyoshi átvette a parancsnokságot Oda halála után, de az öröklődő uralom létrehozására vonatkozó terveit Ieyasu meghiúsította, aki 1603 -ban létrehozta a Tokugawa sógunátust.

Festmény: A Momoyama -korszak legfontosabb festészeti iskolája a Kanō iskola volt, és a korszak legnagyobb újítása a Kanō Eitoku által kifejlesztett képlet volt, amely monumentális tájképeket teremtett a szobát körülvevő tolóajtókon. A fő szoba díszítése a Jukō-in kertje felé, a Daitoku-ji (Zen templom Kiotóban) altemploma, talán legjobb példája Eitoku munkásságának. Egy masszív ume a fa- és ikerfenyőket párhuzamosan ábrázolják az átlósan ellentétes sarkokban lévő tolóernyőkön, törzsük megismétli a sarokoszlopok függőlegességeit, és ágaik balra és jobbra nyúlnak, egyesítve a szomszédos paneleket. Eitoku képernyője, Kínai oroszlánok, szintén Kiotóban, felfedi a szamurájok által kedvelt merész, élénk színű festési stílust.

Hasegawa Tōhaku, az Eitoku kortársa némileg más és dekoratívabb stílust alakított ki a nagyméretű szitaképekhez. Az övéiben Maple Screen (楓 図), most Chishaku-in templomában (ja: 智 積 院), Kiotóban, a fa törzsét középre helyezte, és a végtagokat majdnem a kompozíció széléig nyújtotta, így laposabb, kevésbé építészeti jellegű munka, mint az Eitoku, de vizuálisan gyönyörű festmény. Hatszoros képernyője, Fenyőfa (松林 図), a ködbe burkolózó fák ligetének monokróm tintával történő mesteri ábrázolása.

Az Edo -kor művészete Szerk

A Tokugawa -sógunátus 1603 -ban vitathatatlanul megszerezte a kormány feletti uralmat azzal a kötelezettségvállalással, hogy békét, gazdasági és politikai stabilitást hoz az országba, nagymértékben sikeres volt. A sógunátus 1867 -ig fennmaradt, amikor kapitulálni kényszerült, mert nem tudott megbirkózni a nyugati nemzetek nyomásával, hogy megnyitja az országot a külkereskedelem előtt. Az Edo -időszak egyik meghatározó témája a sógunátus elnyomó politikája és a művészek megpróbálták elkerülni ezeket a megszorításokat. Ezek közül a legfontosabb az ország külföldiek elől való bezárása és kultúrájuk elsajátítása volt, valamint szigorú magatartási kódexek elrendelése, amelyek az élet minden területére, a viselt ruhára, a házas személyre, valamint azokra a tevékenységekre vonatkoztak, amelyeket lehet vagy kellene nem folytatni.

Az Edo -korszak kezdeti éveiben azonban még nem volt érezhető a Tokugawa -politika teljes hatása, és Japán építészetben és festészetben a legkiválóbb kifejezéseit produkálták: a kiotói Katsura -palotát és Tawaraya Sōtatsu, az ország úttörőjének festményeit. Rinpa iskola.

Fa blokk nyomtatás: A fagerendás nyomatokat eredetileg a buddhista szentírások fordítására használták a nyolcadik században Japánban. A fagerendás nyomtatás abból áll, hogy a képeket vagy képeket egy fadarabra gravírozzák, amelyet egy papírra nyomnak. A nyolcadik században a fából készült blokkot a nyomtatott szöveg reprodukálásának kényelmes módjának tekintették, amíg további újítások lehetővé tették a színek papírra történő lefordítását vagy más néven Nishik-e nyomatokat. A fatömbnyomtatás volt a szokásos nyomtatási módszer a tizenegyediktől a XIX. A Nishiki-e nyomatok olyan termékeket állítottak elő, mint például naptárak, amelyeket az Edo időszakban általában értékesítettek a társadalom gazdag tagjainak. Az Edo -korban ezek a nyomatok jeles színészek eseményeit és jeleneteit ábrázolták. Az Ukiyo -t a fapadlónyomtatással hozták összefüggésbe a korai Edo -időszakban. Ezek az Ukiyo festmények a társadalom prominens tagjainak mindennapi életét ábrázolták. Ukiyo először úgy kezdte, hogy a kézzel faragott tekercsek normális közemberként ábrázolták az életet.

Építészet: A Genji palotájának utánzatában épült Katsura családi palota lábbeli épületeket tartalmaz, amelyek a klasszikus japán építészet elemeit ötvözik innovatív újratelepítésekkel. Az egész komplexumot egy gyönyörű kert veszi körül, ahol ösvények sétálhatnak. Sok erős daimyōs (feudális urak) Circuit stílusú japán kertet építettek az ország területén, és versenyeztek a szépségért.

Festmény: Sōtatsu nagyszerű dekoratív stílust fejlesztett ki azzal, hogy a klasszikus irodalomból újrateremtette a témákat, ragyogó színű figurákat és motívumokat használva a természeti világból, aranylevelű háttérrel. Egyik legszebb alkotása a páros képernyő A hullámok Matsushimában a washingtoni Freer Galériában Egy évszázaddal később Kōrin átdolgozta Sōtatsu stílusát, és egyedülállóan vizuálisan pompás alkotásokat készített. Talán a legszebbjei a képernyőképek Vörös és fehér szilva virágok.

Szobor: Enkū buddhista szerzetes durva, egyedi stílusban 120 000 buddhista képet faragott.

Ukiyo-e és nanga (bunjinga): A Nyugaton legismertebb művészeti iskola a demimonde ukiyo-e festményei és fametszetei, a kabuki színház világa és a szórakoztató kerületek. Az Ukiyo-e nyomatokat a 17. század végén, 1765-ben kezdték gyártani. Harunobu készítette az első polikróm nyomatot. A következő generációs nyomdai tervezők, köztük Torii Kiyonaga és Utamaro, elegáns és néha éleslátó ábrázolásokat készítettek a kurtizánokról.

A 19. században Hokusai és Hiroshige voltak az uralkodó figurák, utóbbi a romantikus és kissé szentimentális tájképek megalkotója. Azok a furcsa szögek és formák, amelyeken keresztül Hiroshige gyakran nézte a tájat, valamint Kiyonaga és Utamaro munkássága, hangsúlyozva a sík síkokat és az erős lineáris körvonalakat, mély hatással volt olyan nyugati művészekre, mint Edgar Degas és Vincent van Gogh. Ugyanazok a nyomdászok a nyugati múzeumokban tartott műalkotásokon keresztül erőteljes hatást gyakorolnak a korai modernista költők, például Ezra Pound, Richard Aldington és H.D. [21]

Az ukiyo-e-vel korabeli festészeti iskola a nanga, vagyis a bunjinga, a kínai tudós-festők által készített festményeken alapuló stílus. Ahogy az ukiyo-e művészek úgy döntöttek, hogy a Tokugawa sógunátus szigorúságán kívüli élet figuráit ábrázolják, a bunjin művészek a kínai kultúra felé fordultak. Ennek a stílusnak a példái Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden és Yamamoto Baiitsu (ja: 山 本 梅 逸).

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro és Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Painting Edit

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for klónok (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama és Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke és kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ idézet szükséges ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), és ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


Nézd meg a videót: भरतय स जयद कस जत ह जपन लग? रसरच म समन आई बड जनकर #JapanLife #IndianLife